엘노스의 창

오늘날 바이올린 연주는 크게 두 흐름으로 나뉜다. 하나는 길 샤함처럼 현대적으로 개량된 악기를 사용하는 연주자들이고, 다른 하나는 파비오 비온디처럼 역사적 악기를 복원하고, 동시대의 연주법을 고증하여 재현하는 연주자들이다. 이 두 번째 방식을 흔히 시대연주(historically informed performance)라고 부르며, 원전연주(原典演奏), 정격연주(正格演奏) 등 다양한 용어가 있었지만, 최근에는 '시대연주'라는 명칭으로 정리되는 추세다. 물론 여전히 이 용어에 대한 이견은 존재한다. '같아 보이지만 전혀 다른' 바이올린 클래식 음악을 처음 접하는 이들에게는 모든 바이올린이 비슷해 보일 수 있지만, 모던과 바로크 바이올린은 구조부터 음향, 연주 방식까지 서로 다르다. 예를 들어 모던 바이올린..

바로크 오페라는 귀족과 궁정의 후원을 기반으로 성장한 예술로, 화려한 의상과 상징적인 제스처, 정형화된 연기 형식을 통해 당대의 신분 질서와 미학을 반영했다. 그 중심에는 독특한 존재인 카스트라토(castrato)가 있었다.‘카스트라토’는 라틴어 ‘castrare(거세하다)’에서 유래한 용어로, 변성기가 오기 전의 소년을 거세하여 고음의 목소리를 유지하게 한 가수를 말한다. 이들은 성대가 성장하지 않아 어린이의 음색을 지니되, 폐 용량과 흉부 근육은 성인 남성 수준으로 발달하여 고음에서 성량과 호흡 지속력이 뛰어났다. 카스트라토의 목소리는 여성보다 더 강한 성량과 넓은 호흡으로 인해 독특한 울림을 가졌으며, 교회에서는 여성의 노래가 금지되던 시기에 높은 음역을 대신하는 존재로 받아들여졌다. 이로 인해 1..

오페라와 발레 모두 처음에는 왕족이나 귀족의 재정적 지원을 받아 제작되는 궁정 예술의 일환이었다. 주로 결혼식이나 특별한 연회에서 상연되었고, 일반 대중의 접근은 어려웠다. 그러나 17세기 중엽, 공연 예술을 상설 극장에서 유료로 상연한다는 개념이 등장하면서 새로운 국면이 펼쳐진다.1637년, 베네치아에서 세계 최초의 상업용 오페라 극장인 '산 카시아노(San Cassiano)' 극장이 문을 열면서 오페라는 궁정의 전유물에서 대중의 오락물로 전환되기 시작한다. 이 극장은 귀족의 후원 없이도 티켓 판매를 통해 운영되는 모델을 제시했고, 이후 다수의 극장들이 이를 따르게 되었다. 초기에는 여전히 귀족들이 극장 운영에 깊이 관여했지만, 시간이 흐르며 흥행사들이 등장해 극장 경영에 중요한 역할을 하게 된다. 이..

오페라는 16세기 말 이탈리아 피렌체에서 시작되어, 17세기 초 본격적인 예술 장르로 발전하게 되었다. 피렌체의 학술 모임인 ‘아카데미아’ 소속 ‘카메라타(Camerata, 이탈리아어로 작은 방)’라는 소모임에서 고전 그리스 비극을 당대에 재현해보자는 취지로 고전 문헌을 연구했고, 그 실험의 일환으로 초기 오페라가 탄생했다. 아카데미아는 15세기에 코시모 데 메디치가 설립한 학술 모임으로, 플라톤의 아카데미아를 본떠 구성되었다. 코시모는 고대 철학에 심취한 인문주의자로, 피렌체의 실질적인 지배자이자 예술과 학문을 적극 후원한 인물이었다.그의 후원을 받은 대표적인 예술가로는 화가 프라 안젤리코, 조각가 기베르티와 도나텔로, 건축가 브루넬레스키와 미켈로초가 있다. 특히 브루넬레스키가 설계한 산타 마리아 델 ..

쇼팽의 곡은 발레에도 쓰이는데, 대표적인 예가 '카멜리아의 레이디(Lady of the Camellias)'와 "레 실피드"다. "레 실피드(Les Sylphides)"는 마리 탈리오니가 초연했던 라 실피드(La sylphide)와는 다른 작품으로, 줄거리가 없고 순수하게 음악과 춤으로만 구성되어 있다. 낭만주의 발레를 대표하는 작품으로 흔히 라 실피드와 지젤을 들지만, 순수한 의미에서 낭만 발레의 정화(精華)는 레 실피드라고 생각한다. 발레 뤼스의 흥행사였던 디아길레프가 아꼈던 작품이기도 하다. 몽환적인 시작 쇼팽의 전주곡이 흘러나오는 가운데 무릎 밑으로 흘러내리는 순백의 의상, 곧 로맨틱 튀튀를 입은 정령들이 한 발을 뒤로 살짝 내밀고 두 손을 다소곳이 가슴 앞에 모으고 있는 몽환적인 장면으로부터 레..

는 이고르 스트라빈스키의 첫 번째 발레 음악으로, 1910년 파리에서 초연되었다. 안무는 미하일 포킨, 음악은 당시 28세였던 스트라빈스키가 맡았으며, 디아길레프가 조직한 발레 뤼스(Ballets Russes)의 파리 공연을 위해 제작된 작품이다. 이 발레는 (Le Sacre du Printemps), (Petrushka)와 함께 스트라빈스키의 ‘러시아 3부작’으로 불리며, 그의 이름을 유럽 전역에 알린 출세작이기도 하다. 의 성공 덕분에 그때까지 러시아 안팎에서만 알려졌던 스트라빈스키는 유럽 현대음악의 중심으로 빠르게 떠오르게 된다.민담에서 발레로 – 불새의 줄거리는 러시아 민담에서 유래한 이야기다. 마왕 카쉬체이(Kashei)의 정원에 황금빛 사과나무가 자라고 있고, 그곳에 불새가 날아와 춤을 춘다...

1832년 3월 12일, 파리 무대에는 역사적인 순간이 펼쳐졌다. 이탈리아 출신 안무가 필리포 탈리오니가 안무한 가 초연되었고, 주역을 맡은 이는 딸 마리 탈리오니였다. 필리포 탈리오니는 딸에게 당시 발레학교의 관습과는 다른 혹독한 훈련을 시켰다. 그 핵심에는 'Sur les Pointes', 즉 '푸앵트(pointe)' 기법이 있었다. 발끝을 세워 춤추는 이 까치발 기법은 마리 탈리오니 이전에도 존재했지만, 그녀를 통해 한층 세련되고 예술적인 표현 수단으로 발전했다고 평가받는다. 공기의 정령을 연상시키는 날개 달린 의상을 입고 무대 위를 떠다니듯 춤추는 마리의 모습은 파리 관객들을 매료시켰다. 필리포가 딸에게 강조한 것은 과시적인 스텝이 아닌 절제와 고상함이었고, 이러한 미학이 를 낭만 발레의 출발점으..

18세기 초 무렵 궁정 발레는 화려한 기교의 향연이었지만, 내면은 어딘가 비어 있었다. 무용수들은 저마다 기술을 뽐냈지만, 이야기는 공허하거나 아예 존재하지 않았다. 새로운 개념이 형성 중이었고 이를 체계적인 이론으로 정립한 인물이 발레 역사상 가장 위대한 이론가로 평가받는 장 조르주 노베르였다. 노베르가 주창한 이론은 '발레 닥시옹(줄거리가 있는 발레)'이었는데, 무용은 극적 줄거리를 가진 무대의 종합예술이어야 한다는 것이었다. 그는 기념비적인 저서 『무용과 발레에 관한 서신(Lettre sur la danse et sur les ballets)』에서 발레 제작자는 음악가처럼 다양한 재료를 활용해 하나의 완성된 예술작품을 구성해야 한다고 강조했다. 무용수의 표정, 제스처, 연기 등이 춤 동작과 조화를 ..

17세기 베르사유 궁전에서 펼쳐졌던 화려한 발레 무대. 그 이면에는 단순한 예술적 향유를 넘어선, 정치적 계산이 숨어 있었다. 바로크 시대, 새로운 예술 언어의 등장 바로크(baroque)라는 말은 '일그러진 진주'를 뜻하는 포르투갈어에서 나왔다. 균형과 조화를 추구하던 르네상스와 달리, 바로크는 더욱 역동적이고 감각적인 표현을 추구했다. 1600년부터 1750년경까지의 이 시기는 절대주의 왕정과 중상주의가 확립되던 때였고, 교회와 궁정을 중심으로 한 새로운 예술 문화가 꽃피었다. 작곡가들은 '이전과는 다른 예술'을 만들고 있다는 자각을 갖고 있었고, 이러한 의식은 발레에도 고스란히 반영되었다. 여섯 살 왕의 권력 콤플렉스 루이 14세는 여섯 살이라는 어린 나이에 왕위에 올랐다. 청소년기에 겪은 '프..

무대 위에서 펼쳐지는 수잔 패럴의 춤을 본 적이 있다면, 아마 이런 생각을 해봤을 것이다. '정말 인간일까?'그녀의 몸은 마치 정교하게 조율된 바이올린처럼, 음악의 미묘한 뉘앙스까지 놓치지 않고 움직임으로 번역해낸다. 천재 안무가가 만난 완벽한 뮤즈 수잔 패럴은 20세기 발레계의 전설, '안무의 모차르트' 조지 발란신이 말년에 만난 최고의 파트너였다. 발란신과 함께 작업한 수많은 발레리나들 중에서도 그녀는 독보적이었다. 발란신은 백조의 호수나 지젤처럼 스토리텔링에 집중하는 대신, 오직 '춤 그 자체'의 순수한 아름다움에 매혹되어 있었다. 그에게 중요한 건 줄거리가 아니라 음악이었고, 그 음악을 어떻게 몸의 언어로 번역해낼 것인가 하는 문제에 골몰했다. 음악을 춤으로 번역하는 마법사 "성공적인 안무를 만들..